DIVINES

Ficha técnica

Título: Divines

Guión: Houda Benyamina, Romain Compingt

Director: Houda Benyamina

Año: 2016

País: Francia

Duración: 105 min

Reparto: Oulaya Amamra, Déborah Lukumuena, Kevin Michel, Jisca Kalvanda, Yasin Houicha, Maidouline Idrissi, Bass Dhem, Farid Larbi, Maryama Soumare, Wilfried Romoli, Tania Dessources, Mounir Amamra, Samir Zbrouki, Mohamed Ourdache, Garba Tounkara, Hana Savané

Productora: Easy Tiger, France 2 Cinéma, France Télévisions

Fotografía: Julien Poupard

Música: Demusmaker

Género: Drama

Divines es una película francesa dirigida por Houda Benyamina y estrenada en el 2016. Divines cuenta la historia de Dounia y Maimuna, dos chicas adolescentes que viven en un barrio de los suburbios de París y cuyo objetivo en la vida es conseguir el dinero necesario para poder salir de su barrio y dejar de tener la vida que les ha tocado vivir. Para ello deciden tomar la vía fácil y seguir los pasos de una conocida traficante del barrio.

Esta película recoge en su argumento los tópicos del cine adolescente dándoles la vuelta para convertirse en una película con un crudo retrato social. Esta no es la primera película del cine francés que hace una fuerte crítica a las desigualdades sociales y el problema que supone el carácter multicultural de la sociedad francesa. En este sentido,  Divines recuerda a películas como Entre les murs en cuanto a esa fuerte crítica social y al retrato de los colectivos más desfavorecidos de la sociedad gala. Este cine de carácter social que se ha desarrollado en Francia desde comienzos del siglo XXI guarda una serie de características que podemos ver representadas en Divines, como la sinceridad de sus diálogos y de la realización, así como la naturalidad y verdad de sus personajes. En cuanto a la realización cabe destacar la exquisita manera en la que, a través de los planos y del diseño de sonido, se representan las ensoñaciones de los personajes, siendo clave una de las escenas en las que Dounia y Maimuna fantasean con estar conduciendo un Ferrari.

Divines hace un retrato muy crudo y veraz de ese trasfondo social y de esa vida en los suburbios de la capital que supone una fuerte contraposición al “glamour” que existe como tópico de Francia.

ONE CHILD NATION

Ficha técnica

Título: One child nation

Director: Zhang Lynn, Nanfu Wang

Año: 2019

País: Estados Unidos

Duración: 85 min

Productora: Chicago Media Project, Amazon Studios

Fotografía: Nanfu Wang, Yuanchen Liu

Música: Nathan Halpern, Chris Ruggiero

Género: Documental

“Puede que sea cruel. Pero así era la política. ¿Qué podíamos hacer?”

      Fotograma de One child nation que muestra una fotografía del artista Peng Wang

One child nation es una película documental que muestra a través de una serie de testimonios cómo fue la política de hijo único en China, cuáles han sido sus consecuencias y cuál es la visión que tienen al respecto quienes la sufrieron.

Nanfu Wang realiza un viaje a China tras emigrar a Estados Unidos con el objetivo de realizar una resconstrucción de los 35 años en los que la política de hijo único estuvo vigente. A través del testimonio de su familia y la gente de su pueblo descubre partes de la historia de las que no tenía conocimiento. 

One child nation ofrece un retrato muy crudo de esta parte de la historia de China, así como un análisis de la sociedad como consecuencia de aquella política y de la presencia de un régimen dictatorial en el país. Este documental es de una enorme sencillez técnica, donde lo que cautiva al espectador son los testimonios de las personas que aparecen en él, unos testimonios llenos de crudeza pero también de verdad. Gracias al trabajo de Nanfu Wang como conductora de este documental y como mediadora en estos testimonios se ofrece una visión imparcial y objetiva de la historia, se ofrecen todos los puntos de vista dejando libertad al espectador y proporcionando un relato real y ecuánime de estos 35 años de historia de China. 

One child nation no es un documental sobre política, es un documental sobre la sociedad y el ser humano, un discurso de culpabilidad, de conformidad, y de cómo una vez más se utilizan la falta de recursos y los problemas sociales como una excusa por parte de unos pocos para poder llevar a cabo crímenes contra la humanidad de manera totalmente impune.

EL HOYO

Ficha técnica

Título: El hoyo
Guión: David Desola, Pedro Rivero
Director: Galder Gaztelu-Urrutia
Año: 2019
País: España
Duración: 94 min
Reparto: Iván Massagué, Zorion Equileor, Antonia San Juan, Emilio Buale, Alexandra Masangkay, Eric Goode, Algis Arlauskas, Miriam Martín, Óscar Oliver
Productora: Basque Films, Mr Miyagi Films, Tve, ETB, Zentropa International Spain, Eusko Jaurlaritza, ICAA, Consejería de Cultura del Gobierno Vasco, Instituto de Crédito Oficial
Fotografía: Jon D. Domínguez
Música: Aránzazu Calleja
Género: Ciencia ficción

El hoyo es una película de 2019 dirigida por Galder Gaztelu-Urrutia. En ella se establece un régimen social dentro de una estructura hermética llamada “el hoyo”, con una disposición vertical organizada en pisos o niveles, en cada uno de los cuales hay dos personas. Una vez al día se lanza desde el piso más alto una mesa con comida que los habitantes del hoyo van comiendo según esta plataforma va pasando por los pisos, de manera que a medida que la plataforma baja de nivel queda menos comida.

La película El hoyo no cuenta nada que no se haya contado ya en cine. Una situación ficticia o distópica en la que se reproducen de manera extrema las desigualdades sociales que acucian nuestro mundo y que dejan al descubierto el carácter autodestructivo del ser humano.

El desarrollo de la película es ameno, un ejercicio de reflexión acerca de la condición del ser humano, del instinto de supervivencia en situaciones extremas y de la organización social que predomina en nuestro mundo y que es la causante de la gran brecha existente en las sociedades modernas. Sin embargo, a medida que avanza el filme se empiezan a ver algunos agujeros en el guión fruto de una voluntad de llevar una sobrecarga de complejidad que no ayuda en la conclusión de la trama. 

Un punto a favor sería la realización, nada monótona teniendo en cuenta que toda la película se desarrolla dentro de las mismas cuatro paredes. 

A pesar de que es una película entretenida, falta un ejercicio de sencillez y de anteponer la reflexión acerca de la condición humana al exceso de florituras y enredos en el guión.  

JOJO RABBIT

Ficha técnica

Título: Jojo Rabbit

Guión: Taika Waititi

Director: Taika Waititi

Año: 2019

País: Estados Unidos

Duración: 108 min

Reparto: Roman Griffin Davis, Scarlett Johansson, Thomasin McKenzie, Taika Waititi, Sam Rockwell, Rebel Wilson, Alfie Allen, Stephen Merchant, Archie Yates, Luke Brandon Field, Sam Haygarth, Stanislav Callas, Joe Weintraub, Brian Caspe, Gabriel Andrews, Billy Rayner, Christian Howlings, Gilby Griffin Davis, Hardy Griffin Davis, Curtis Matthew, Robert East

Productora: Defender Films, Piki Films, Czech Anglo Productions, TSG Entertainment

Fotografía: Mihai Malaimare Jr

Música: Michael Giacchino

Género: Dramedia, nazismo

Jojo Rabbit es una coproducción entre Estados Unidos, Nueva Zelanda y la República Checa que cuenta, bajo la dirección de Taika Waititi, la historia de Jojo, un niño alemán con un fuerte sentimiento nacionalista reforzado y reflejado en su amigo imaginario, Adolf Hitler. Pero todo da un giro cuando Jojo descubre que en su casa se haya escondida una niña judía bajo la protección de su propia madre.

Jojo Rabbit crea la diferencia dentro de un panorama ya explotado en cine como es la época de la Alemania nazi adoptando una perspectiva diferente al contar la historia, un punto de vista en el que la fantasía y la inocencia de un niño son el motor de la trama.

Aquí se cuenta una vez más una historia de persecución de la minoría judía, el debate de los personajes entre su supervivencia o el respeto a su propia conciencia. Pero, esta vez, huyendo de la oscuridad y el exceso de dramatismo en las formas, aunque no en el fondo. En Jojo Rabbit la historia se cuenta con un punto de luz, comedia e incluso cierto toque de parodia en algunos momentos. Esta luz que aporta el filme, tanto en el guión como en otros aspectos como la fotografía, la escenografía y la interpretación de los actores, no resta en ningún momento dramatismo a la crudeza de lo que se narra. Por el contrario, este modo de contar funciona como un elemento magnético para los ojos del espectador, que queda atrapado en una historia sencilla ya contada en numerosas ocasiones, pero esta vez enriquecida con la visión ficticia de una generación, interpretada por Roman Griffin Davis (Jojo), que simboliza el punto de inflexión en la historia moderna de Europa.

PIELES

Ficha técnica

Título: Pieles

Guión: Eduardo Casanova

Director: Eduardo Casanova

Año: 2017

País: España

Duración: 77min

Reparto: Candela Peña, Ana Polvorosa, Macarena Gómez, Carmen Machi, Secun de la Rosa, Jon Kortajarena, Joaquín Climent, Enrique Martínez, Eloi Costa, Itziar Castro, Carolina Bang, Ana María Ayala, Adolfo Fernández, Javier Bódalo

Productora: Pokeepsie Films, Nadie es perfecto, The other side Films, Netflix

Fotografía: José Antonio Muñoz “Nono”

Música: Ángel Ramos

Género: comedia negra

Eduardo Casanova despunta con su primer largo en el panorama cinematográfico de este año, con una forma muy particular de contar la historia y con un magnífico uso del lenguaje audiovisual.

Pieles es una historia sobre personas que intentan encontrar su sitio en una sociedad hipócrita, cruel y acomodada en la mal llamada, tradicionalmente, normalidad. Gente rechazada socialmente que intenta encontrar su sitio en el hueco que la sociedad deja para ellos. Un guión cargado de verdad y de sentimientos que, a menudo, son incomprensibles y rechazados por la sociedad, pero que suponen el punto de inflexión entre la infelicidad y la felicidad de una minoría representada por los protagonistas del filme. El guión de Eduardo Casanova está construido a base de buenos diálogos que dejan al descubierto la hipocresía de la sociedad y la condición del ser humano.

Además del guión y el elenco de actores, esta película tiene unos componentes visuales que enriquecen la historia y que hacen de ella una gran obra audiovisual. Los planos y el uso del color, que crea una paradoja entre lo que se está contando y la forma en la que se muestra en términos visuales, acentúa el mensaje que se transmite y completan este ejercicio cinematográfico.

A través de la historia de cada uno de los personajes el espectador atraviesa por una gran variedad de estados emocionales, como un ejercicio de cuestionamiento y replanteamiento de la ética establecida. Es un ejercicio de empatía.

Pero Pieles no es solo lo que muestra el polémico cartel de la película, un conjunto de imágenes impactantes o una amalgama de personajes con peculiaridades físicas poco fieles a la realidad. El guión de Eduardo Casanova enfrenta las rarezas físicas con las emocionales, con formas de pensamiento peculiares y alejadas de la norma, con sentimientos con los que es difícil empatizar. En ocasiones, la verdadera deformación de las personas está por debajo de la piel.

ENTRE LES MURS

Ficha técnica

Título: Entre les murs
Guión: Laurent Cantet, François Bégaudeau, Robin Campillo
Director: Laurent Cantet
Año: 2008
País: Francia
Duración: 128 min
Reparto: François Bégaudeau, Nassim Amrabt, Laura Baquela, Cherif Bounaïdia Rachedi, Juliette Demaille
Productora: Haut et Court
Fotografía: Pierre Milon
Género: Drama social

Entre les murs es la tercera novela de Bégaudeau, que aunque se dedica principalmente a la enseñanza y a la escritura literaria también tiene experiencia profesional como crítico de cine. Laurent Cantet realiza una adaptación cinematográfica en la que el mismo Bégaudeau forma parte del elenco artístico junto a otros actores no profesionales.

Entre les murs cuenta la historia de un joven profesor lleno de valores e ilusión por acompañar a sus alumnos en su camino dentro de la sociedad en la que viven. El contexto social en el que se desarrolla la historia es la situación de multiculturalidad que se vive en Francia en el presente siglo y las desigualdades étnicas presentes tras los disturbios ocurridos en Francia en 2005 tras la muerte de dos adolescentes musulmanes en una persecución policial. François comienza a dar clases de francés en un instituto en el que la mayoría de alumnos son inmigrantes de escasos recursos, con lo que el profesor se encuentra ante una representación entre cuatro paredes de la sociedad de su país. Alumnos de diferentes etnias y religiones con continuas discrepancias y luchas entre ellos, el profesor tiene que hacer frente al grupo de adolescentes intentando imponer su autoridad ante la jerarquía que ellos mismos han creado en el aula. 

Teniendo en cuenta la realidad social que pretende retratar en el filme, Cantet opta por utilizar una estética y una realización de falso documental, con actores no profesionales, el uso de escenarios en lugar de decorados y el rodaje cámara al hombro. La mayoría del filme transcurre en un espacio cerrado, dentro del aula. Aunque esto limita el trabajo de realización, se usan una gran variedad de planos que  dan un mayor dinamismo y verosimilitud. Además, en este rodaje dentro de cuatro paredes cobra mucha importancia el fuera de campo a través de las confesiones de los alumnos dentro del propio aula. Estas confesiones y diálogos  de los personajes son el punto fuerte de la película y el hilo que hace que toda la historia fluya. La palabra es subrayada en todo momento por la imagen, convirtiéndose así la una en elemento indispensable de la otra.

Con la presencia del aula como escenario principal durante todo el filme cobra importancia un segundo escenario, el patio del colegio. Con esta contraposición de escenarios se hace patente la antítesis entre los valores del profesor y los de los alumnos, los intereses de cada uno y el reflejo de lo que los personajes encuentran dentro de la sociedad. En el aula los alumnos se ven sometidos a unas normas de las que intentan escapar con todo su esfuerzo. Se encuentran prisioneros, vigilados y objeto de un continuo cuestionamiento. Por el contrario, en el patio son libres. Ellos imponen sus propias reglas y se organizan de acuerdo a sus propios intereses, estableciendo así su propia “microsociedad”.

El atractivo de la película es la relación entre el argumento y los elementos técnicos que, complementándose, nos dan como conjunto un discurso verdadero, real. Sin efectos ni adornos, se nos cuenta una gran historia que deja a unos personajes desnudos ante el espectador, dándonos así la oportunidad de conocerlos, entenderlos, apreciarlos u odiarlos.

¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO?

Ficha técnica

Título: ¿Quién puede matar a un niño?

Guión: Chicho Ibáñez Serrador

Director: Chicho Ibáñez Serrador

Año: 1976

País: España

Duración: 100 min

Reparto: Lewis Fiander, Prunella Ransome, Antonio Iranzo, Miguel Narros, María Luisa Arias, Marisa Porcel, María Druille, Lourdes de la Cámara, Roberto Nauta, Luis Ciges

Productora: Penta Films

Fotografía: José Luís Alcaine

Música: Waldo de los Ríos

Género: Terror. Thriller

“-Un niño normal es incapaz de matar a un hombre.

-Yo soy un hombre normal y llegué a proponerte que matásemos a un niño.”

¿Quién puede matar a un niño? constituye un ejemplo en el cine español dentro del género de terror. Con este filme, adaptación de la novela El juego de los niños, Chicho Ibáñez rompe los esquemas de este género y propone una nueva perspectiva desde la que afrontar el cine de terror. Algunos años después Stephen King escribía El umbral de la noche, que daba lugar al filme Los chicos del maíz, estrenado en 1984 y que guarda similitudes con la película de Chicho Ibáñez.

La película de Chicho Ibáñez cuenta con algunos elementos que la convierten en un modelo para la narrativa del género de terror. Una de las principales claves de su éxito es la no inclusión de los tópicos del cine de terror en elementos como los personajes y la fotografía. La narrativa de esta película juega a desarrollar el concepto del miedo a través de personajes inocentes, escenarios luminosos, colores suaves... Es decir, el miedo está presente en la película de forma impredecible, lo que hace que se conecte de una forma novedosa y efectiva con la mente del espectador. 

Por un lado, cabe destacar la importancia de que los protagonistas y los conductores del terror sean niños, unos personajes caracterizados por la inocencia y representados como víctimas dentro del imaginario colectivo. Ahora los niños dejan atrás su inocencia y se rebelan contra los adultos. En las imágenes de archivo que aparecen al inicio se cuenta cómo los niños han sido víctimas a lo largo de la historia de las barbaridades cometidas por los adultos. 

Por otro lado, el segundo elemento con el que se juega al despiste es la fotografía. Al contrario que en la mayoría de películas de terror, la trama aquí se desarrolla de día, en un escenario tranquilo y luminoso. Esto no hace sino acentuar el cariz terrorífico de la historia. La luz y la suavidad de los colores junto a la inocencia de los perotagonistas, elementos que confunden y despistan al resto de personajes, a los adultos, y hace que estén desprevenidos ante el ataque. Esto hace que el espectador empatice con los adultos, y que durante el visionado de la película tenga cierta dosis de tensión.

El espectador en la actualidad está acostumbrado al cine de terror como sinónimo de grandes efectos especiales y el elemento paranormal como base en torno al cual gira la trama. Pero en el año 1976 una película como ¿Quién puede matar a un niño? era algo totalmente novedoso en el cine de terror. Jugar con elementos psicológicos, históricos y sociales para dar forma a una historia dentro de un género lleno de clichés.