PIELES

Ficha técnica

Título: Pieles

Guión: Eduardo Casanova

Director: Eduardo Casanova

Año: 2017

País: España

Duración: 77min

Reparto: Candela Peña, Ana Polvorosa, Macarena Gómez, Carmen Machi, Secun de la Rosa, Jon Kortajarena, Joaquín Climent, Enrique Martínez, Eloi Costa, Itziar Castro, Carolina Bang, Ana María Ayala, Adolfo Fernández, Javier Bódalo

Productora: Pokeepsie Films, Nadie es perfecto, The other side Films, Netflix

Fotografía: José Antonio Muñoz “Nono”

Música: Ángel Ramos

Género: comedia negra

Eduardo Casanova despunta con su primer largo en el panorama cinematográfico de este año, con una forma muy particular de contar la historia y con un magnífico uso del lenguaje audiovisual.

Pieles es una historia sobre personas que intentan encontrar su sitio en una sociedad hipócrita, cruel y acomodada en la mal llamada, tradicionalmente, normalidad. Gente rechazada socialmente que intenta encontrar su sitio en el hueco que la sociedad deja para ellos. Un guión cargado de verdad y de sentimientos que, a menudo, son incomprensibles y rechazados por la sociedad, pero que suponen el punto de inflexión entre la infelicidad y la felicidad de una minoría representada por los protagonistas del filme. El guión de Eduardo Casanova está construido a base de buenos diálogos que dejan al descubierto la hipocresía de la sociedad y la condición del ser humano.

Además del guión y el elenco de actores, esta película tiene unos componentes visuales que enriquecen la historia y que hacen de ella una gran obra audiovisual. Los planos y el uso del color, que crea una paradoja entre lo que se está contando y la forma en la que se muestra en términos visuales, acentúa el mensaje que se transmite y completan este ejercicio cinematográfico.

A través de la historia de cada uno de los personajes el espectador atraviesa por una gran variedad de estados emocionales, como un ejercicio de cuestionamiento y replanteamiento de la ética establecida. Es un ejercicio de empatía.

Pero Pieles no es solo lo que muestra el polémico cartel de la película, un conjunto de imágenes impactantes o una amalgama de personajes con peculiaridades físicas poco fieles a la realidad. El guión de Eduardo Casanova enfrenta las rarezas físicas con las emocionales, con formas de pensamiento peculiares y alejadas de la norma, con sentimientos con los que es difícil empatizar. En ocasiones, la verdadera deformación de las personas está por debajo de la piel.

ENTRE LES MURS

Ficha técnica

Título: Entre les murs
Guión: Laurent Cantet, François Bégaudeau, Robin Campillo
Director: Laurent Cantet
Año: 2008
País: Francia
Duración: 128 min
Reparto: François Bégaudeau, Nassim Amrabt, Laura Baquela, Cherif Bounaïdia Rachedi, Juliette Demaille
Productora: Haut et Court
Fotografía: Pierre Milon
Género: Drama social

Entre les murs es la tercera novela de Bégaudeau, que aunque se dedica principalmente a la enseñanza y a la escritura literaria también tiene experiencia profesional como crítico de cine. Laurent Cantet realiza una adaptación cinematográfica en la que el mismo Bégaudeau forma parte del elenco artístico junto a otros actores no profesionales.

Entre les murs cuenta la historia de un joven profesor lleno de valores e ilusión por acompañar a sus alumnos en su camino dentro de la sociedad en la que viven. El contexto social en el que se desarrolla la historia es la situación de multiculturalidad que se vive en Francia en el presente siglo y las desigualdades étnicas presentes tras los disturbios ocurridos en Francia en 2005 tras la muerte de dos adolescentes musulmanes en una persecución policial. François comienza a dar clases de francés en un instituto en el que la mayoría de alumnos son inmigrantes de escasos recursos, con lo que el profesor se encuentra ante una representación entre cuatro paredes de la sociedad de su país. Alumnos de diferentes etnias y religiones con continuas discrepancias y luchas entre ellos, el profesor tiene que hacer frente al grupo de adolescentes intentando imponer su autoridad ante la jerarquía que ellos mismos han creado en el aula. 

Teniendo en cuenta la realidad social que pretende retratar en el filme, Cantet opta por utilizar una estética y una realización de falso documental, con actores no profesionales, el uso de escenarios en lugar de decorados y el rodaje cámara al hombro. La mayoría del filme transcurre en un espacio cerrado, dentro del aula. Aunque esto limita el trabajo de realización, se usan una gran variedad de planos que  dan un mayor dinamismo y verosimilitud. Además, en este rodaje dentro de cuatro paredes cobra mucha importancia el fuera de campo a través de las confesiones de los alumnos dentro del propio aula. Estas confesiones y diálogos  de los personajes son el punto fuerte de la película y el hilo que hace que toda la historia fluya. La palabra es subrayada en todo momento por la imagen, convirtiéndose así la una en elemento indispensable de la otra.

Con la presencia del aula como escenario principal durante todo el filme cobra importancia un segundo escenario, el patio del colegio. Con esta contraposición de escenarios se hace patente la antítesis entre los valores del profesor y los de los alumnos, los intereses de cada uno y el reflejo de lo que los personajes encuentran dentro de la sociedad. En el aula los alumnos se ven sometidos a unas normas de las que intentan escapar con todo su esfuerzo. Se encuentran prisioneros, vigilados y objeto de un continuo cuestionamiento. Por el contrario, en el patio son libres. Ellos imponen sus propias reglas y se organizan de acuerdo a sus propios intereses, estableciendo así su propia “microsociedad”.

El atractivo de la película es la relación entre el argumento y los elementos técnicos que, complementándose, nos dan como conjunto un discurso verdadero, real. Sin efectos ni adornos, se nos cuenta una gran historia que deja a unos personajes desnudos ante el espectador, dándonos así la oportunidad de conocerlos, entenderlos, apreciarlos u odiarlos.

¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO?

Ficha técnica

Título: ¿Quién puede matar a un niño?

Guión: Chicho Ibáñez Serrador

Director: Chicho Ibáñez Serrador

Año: 1976

País: España

Duración: 100 min

Reparto: Lewis Fiander, Prunella Ransome, Antonio Iranzo, Miguel Narros, María Luisa Arias, Marisa Porcel, María Druille, Lourdes de la Cámara, Roberto Nauta, Luis Ciges

Productora: Penta Films

Fotografía: José Luís Alcaine

Música: Waldo de los Ríos

Género: Terror. Thriller

“-Un niño normal es incapaz de matar a un hombre.

-Yo soy un hombre normal y llegué a proponerte que matásemos a un niño.”

¿Quién puede matar a un niño? constituye un ejemplo en el cine español dentro del género de terror. Con este filme, adaptación de la novela El juego de los niños, Chicho Ibáñez rompe los esquemas de este género y propone una nueva perspectiva desde la que afrontar el cine de terror. Algunos años después Stephen King escribía El umbral de la noche, que daba lugar al filme Los chicos del maíz, estrenado en 1984 y que guarda similitudes con la película de Chicho Ibáñez.

La película de Chicho Ibáñez cuenta con algunos elementos que la convierten en un modelo para la narrativa del género de terror. Una de las principales claves de su éxito es la no inclusión de los tópicos del cine de terror en elementos como los personajes y la fotografía. La narrativa de esta película juega a desarrollar el concepto del miedo a través de personajes inocentes, escenarios luminosos, colores suaves... Es decir, el miedo está presente en la película de forma impredecible, lo que hace que se conecte de una forma novedosa y efectiva con la mente del espectador. 

Por un lado, cabe destacar la importancia de que los protagonistas y los conductores del terror sean niños, unos personajes caracterizados por la inocencia y representados como víctimas dentro del imaginario colectivo. Ahora los niños dejan atrás su inocencia y se rebelan contra los adultos. En las imágenes de archivo que aparecen al inicio se cuenta cómo los niños han sido víctimas a lo largo de la historia de las barbaridades cometidas por los adultos. 

Por otro lado, el segundo elemento con el que se juega al despiste es la fotografía. Al contrario que en la mayoría de películas de terror, la trama aquí se desarrolla de día, en un escenario tranquilo y luminoso. Esto no hace sino acentuar el cariz terrorífico de la historia. La luz y la suavidad de los colores junto a la inocencia de los perotagonistas, elementos que confunden y despistan al resto de personajes, a los adultos, y hace que estén desprevenidos ante el ataque. Esto hace que el espectador empatice con los adultos, y que durante el visionado de la película tenga cierta dosis de tensión.

El espectador en la actualidad está acostumbrado al cine de terror como sinónimo de grandes efectos especiales y el elemento paranormal como base en torno al cual gira la trama. Pero en el año 1976 una película como ¿Quién puede matar a un niño? era algo totalmente novedoso en el cine de terror. Jugar con elementos psicológicos, históricos y sociales para dar forma a una historia dentro de un género lleno de clichés. 

LION

Ficha técnica

Título: Lion

Guión: Luke Davies

Director: Garth Davis

Año: 2016

País: Australia

Duración: 120 min

Reparto: Dev Patel, Sunny Pawar, Nicole Kidman, Rooney Mara, David Wenham, Nawazuddin Siddiqui, Tannishtha Chatterjee, Deepti Naval, Priyanka Bose, Divian Ladwa

Productora: See-Saw Film, Screen Australia, Sunstar Enterteiment, Weinstein Company

Fotografía: Greig Fraser

Música: Volker Bertelmann, Dustin O´Halloran

Género: Drama

Narrar una historia real dentro del terreno de la ficción tiene bastantes riesgos y se puede caer en la reproducción de clichés o tópicos que son rechazados por el público. Sin embargo, en Lion estos problemas se han solventado a la perfección gracias a una buena elección del elenco de actores y a un buen trabajo de fotografía y montaje.

Por otra parte, el gran trabajo de escritura de guión consigue que la película llegue a los espectadores, que los conmueva. Más allá de la narración de una historia real que cuenta las dificultades por las que mucha gente pasa a la hora de llevar a cabo un proceso de adopción y la situación de desamparo en la que se encuentran muchos menores en países en los que la ejecución de las leyes de protección flaquea, esta película cuenta con un guión bien estructurado y con magníficos diálogos que hacen que el filme lleve a través de la pantalla toda la carga emotiva de los personajes sin devaluar ni distorsionar (más de lo necesario teniendo en cuenta que estamos en el terreno de la ficción) la historia real.

Lion se ha convertido en una de las películas favoritas por el público en el 2107, y una gran candidata a los Oscar. Una historia llena de verdad y de emoción donde cada fotograma queda grabado en la retina del espectador tras su visionado. 

MUSTANG

Ficha técnica

Título: Mustang
Guión: Deniz Gamze Ergüven, Alice Winocour
Director: Deniz Gamze Ergüven
Año: 2015
País: Francia
Duración: 97 min
Reparto: Günes Sensoy, Doga Zeynep Doguslu, Tugba Sunguroglu, Elit Iscan, Illayda Akdogan, Nihal G Koldas, Ayberk Pekcan
Productora: Coproducción Francia-Turquía-Alemania, CG Cinéma, Vistamar Filmproduktion, Uhlandfilm, Bam Film
Fotografía: David Chizallet, Ersin Gok
Música: Warren Ellis
Género: Drama

“¿Acaso esa ropa de color de mierda la convierte en juez de la moral de todo el mundo?”

Mustang es la ópera prima de la directora turca Deniz Gamze Ergüven, con la que ha conseguido abrirse paso en el panorama cinematográfico y ganar varios premios, entre los que se encuentra el Goya a mejor película europea en 2016, y la nominación a los Óscar el mismo año como mejor película de habla no inglesa.

Mustang narra una historia de desigualdades, del papel de la mujer en muchas culturas, de la lucha por un futuro mejor. Es una de esas historias que ponen al espectador de frente a la realidad y le sumerge de lleno en el alma humana.

Este filme es un magnífico trabajo de retrato de una sociedad que se aleja de la contemporaneidad. A través de las cinco protagonistas adolescentes se exponen cinco formas diferentes de afrontar la realidad que les ha tocado vivir, cinco maneras de soñar, de protegerse y de luchar por cambiar las cosas.

Mustang es una obra íntima, con una gran sensibilidad en su ejecución, tanto en términos de guión como de interpretación de las actrices protagonistas y de realización. Es uno de esos guiones que se quedan grabados en la mente del espectador y que invitan a la reflexión.

LA LA LAND

Ficha técnica

Título: La La Land

Guión: Damien Chazelle

Director: Damien Chazelle

Año: 2016

País: Estados Unidos

Duración: 127 min

Reparto: Emma Stone, Ryan Gosling, John Legend, Rosemarie DeWitt, J K Simmons, Finn Wittrock, Sonoya Mizuno, Jessica Rothe, Jason Fuchs, Callie Hernández, Trevor Lissauer, Phillip E Walker, Hemky Madera, Kaye L Morris

Productora: Summit Enterteinment, Gilbert Films, Impostor Pictures, Marc Platt Productions

Fotografía: Linus Sandgren

Música: Justin Hurwitz

Género: Musical.

En un terreno en el que los musicales son, con frecuencia, castigados por el público de cine, llega La La Land y arrasa tanto en festivales como en taquilla. Una película que ha despertado sentimientos encontrados en un público de extremos. 

Que esta película encuentre la aprobación en los ojos del espectador depende del gusto por determinados géneros o determinadas historias, pero es incuestionable la calidad del filme. Esta es una historia sencilla, sin grandes giros argumentales, pero con un buen trabajo por parte de los actores. Una historia de chico conoce a chica que encuentra su espectacularidad en terrenos como la realización, el montaje y la fotografía.

En primer lugar, cabe destacar el magnífico trabajo de realización, sobre todo en las partes con coreografía. Un muy buen resultado a pesar de la dificultad que entrañaba. En segundo lugar el montaje, con el que se ha conseguido darle a la película la estética que pedía junto con el trabajo de fotografía. El trabajo de montaje es espectacular, aporta ritmo y dinamismo a la historia, y se convierte en una de las señas más identificativas del filme musical. Por último, y quizás el elemento más notable ante los ojos del espectador, el trabajo de fotografía y el uso del color. Este es uno de los elementos más trabajados y explotados en el filme, y eso se nota en el resultado. El trabajo de fotografía convierte a La La Land en una película muy visual, donde se busca el deleite sensorial en las emociones del público.

A MONSTER CALLS

Ficha técnica

Título: Un monstruo viene a verme/A monster calls

Guión: Patrick Ness

Director: Juan Antonio Bayona

Año: 2016

País: Coproducción España/Estados Unidos

Duración: 108 min

Reparto: Lewis MacDougall, Sigourney Weaver, Felicity Jones, Liam Neeson, Toby Kebbell, Geraldine Chaplin, James Melville, Garry Marriot, Joe Curtis, Kai Arnthal, Max Gabbay

Productora: Apaches Entertaiment, Telecinco Cinema, Participant Media, RiverRoad Entertaiment, Películas La Trini

Fotografía: Óscar Faura

Música: Fernando Velázquez

Género: Drama. Fantástico.

Con A monster calls Juan Antonio Bayona vuelve a estar en la cima del panorama cinematográfico de la mano de su primera adaptación de una obra literaria. En este filme Bayona experimenta no solo en el terreno del guión al tratarse de una adaptación, sino también en el terreno de la imagen. Juega alternando la imagen real y animaciones digitales para distinguir entre la realidad que rodea la vida de Connor y las historias que le cuenta el monstruo. La pregunta es, ¿ha acertado con esta propuesta narrativa? 

Por un lado, la introducción de esos momentos de imagen animada es la herramienta para diferenciar la realidad del protagonista de los elementos fantásticos. Pero, por otro lado, esos momentos en los que entra en juego la animación sacan al espectador de la historia de Connor y establecen entre ambas realidades una brecha demasiado ancha, cuando al fin y al cabo corresponden a dos planos de la misma realidad. Es necesario establecer una diferencia estética en el terreno de la imagen entre ambas dimensiones, pero quizás se podría haber hecho atendiendo al trabajo de fotografía de la imagen grabada. En este ámbito, cabe destacar la dirección de fotografía tanto en la construcción de los planos, muy visuales y descriptivos, como en el trabajo de la luz y el color.

En cuanto al trabajo de adaptación literaria el espectador puede encontrar principalmente dos carencias. En el caso de haber leído el libro, es relevante destacar la omisión de detalles de importancia en la historia, desde diálogos trascendentales hasta personajes, como el caso de Lily, la amiga de Connor, cuya presencia en la trama contribuye a hacer el personaje del protagonista mucho más redondo. Y tanto en el caso de haber leído el libro como si no, narrativamente la trama se queda en la superficie de la historia. 

Evidentemente la comparación entre libro y película es absurda, la última siempre estará en clara desventaja. Pero aún dejando de lado esta comparación el guión no profundiza todo lo que podría en los diferentes temas que se tratan, se centra mucho en las historias que cuenta el monstruo y en la relación de este con Connor. Esta es una parte importante de la historia, de echo es uno de los elementos clave, pero se dejan en un segundo plano otras facetas de la vida de Connor como la relación con su padre o la relación con sus compañeros de clase y los profesores. Estas facetas sí que se desarrollan y tienen un carácter mucho más trascendental en el libro, que vuelvo a nombrar de forma errónea. 

Esta omisión de detalles contribuye a que otro elemento clave en un guión tenga sus puntos flacos, el diseño de personajes. El único personaje con un buen diseño es el de Connor. Aquí también hay que destacar la magnifica interpretación de Lewis MacDougall, sin duda la mejor elección del elenco. El resto de personajes no están del todo bien definidos, incluso al monstruo le faltan matices, aunque hay que destacar la construcción digital del mismo. 

No hay duda de que A monster calls es una gran candidata para los Goya, aunque quizás con más nominaciones de las que debería.

EL REY TUERTO (EL REI BORNI)

Ficha técnica

Título: El rey tuerto(El rei borni)

Guión: Marc Crehuet

Director: Marc Crehuet

Año: 2016

País: España

Duración: 87 min

Reparto: Alain Hernández, Miki Esparbé, Betsy Túrnez, Ruth Llopis, Xesc Cabot

Productora: Moiré Films, Lastor Media, El Terrat, Televisió de Catalunya, ICEC

Fotografía: Xavi Giménez

Género: Dramedia

El rey tuerto (El rei borni) es el primer largometraje de Marc Crehuet, por el que está nominado en los Goya 2017 a mejor director novel. Nos encontramos ante una película con una producción modesta, donde la importancia del filme reside en el guión y el diseño de los personajes que son adaptados de la obra de teatro homónima. En la película se pueden ver elementos procedentes del teatro, como la puesta en escena y la interpretación de los actores. Durante toda la película nos encontramos ante una puesta en escena discreta y con pocos elementos, la mayoría de la historia transcurre en el interior del piso con planos sencillos, muy visuales  y que expresan perfectamente el enfrentamiento entre los personajes.

Esa puesta en escena es lo que hace destacar a los personajes, que sean sus diálogos exclusivamente los que conducen la trama. Precisamente a través de estos diálogos se produce una conversación con el espectador como sociedad. Expone cómo se pueden enfrentar diferentes colectivos a una misma situación, y establece el punto de identificación o rechazo con el espectador. El diálogo que mantienen los personajes entre ellos es una conversación constante con la sociedad, un debate que está en la calle y que produce una retroalimentación entre la realidad y la ficción.

Los personajes son algo planos, basados en tópicos, que es lo que aporta el matiz cómico al drama. Las situaciones cómicas surgen con el enfrentamiento de los personajes, totalmente opuestos buscando constantemente un punto de conexión. Además, la historia transcurre con un ritmo precipitado, con poca introducción, en el que los personajes se encuentran rápidamente ante el primer punto de giro de la historia.

Ese diálogo con el espectador tiene su punto álgido al final de la película, donde se le hace partícipe en la escena, haciendo a la sociedad directamente responsable de los trastornos que sufre el personaje. El final de la película es uno de los puntos más característicos del trabajo del director, que hace que realidad y ficción se unan, que los personajes traspasen la pantalla dialogando directamente con el espectador, al que se le coloca en la posición de voyeur.

Otro de los elementos mejor trabajados se encuentra en el punto opuesto, antes del inicio del filme, en los títulos de crédito. Esta pieza, realizada por Pablo Sánchez, es la secuencia más destacada en esta obra junto con el final, y se encuentran en el ranking de mejores secuencias de títulos de crédito del año de Art of the title. 

Los títulos de crédito de El rey tuerto son una pieza de motion graphics realizada con efectos básicos de movimiento que se insertan a formas geométricas de colores planos. Juega con los elementos que conforman la clave de la trama: una bola de goma que se acerca y aleja en el plano, unos ojos que se abren y cierran al ritmo de la base sonora, y una mesa con cubiertos que presagia la cena catastrófica en torno a la que gira la explosión de la trama. Se trata de un pieza que encuentra su espectacularidad en la sencillez técnica, reduciendo al máximo los elementos claves en la trama y funcionando como un adelanto de lo que se muestra a continuación.

Con los títulos de crédito  y la última secuencia la película tiene un cierre perfecto. Es el ejemplo de cómo con una buena idea, con pocos actores y sin el presupuesto de una superproducción se puede realizar una buena película. Una buena apuesta al Goya a mejor director novel.

EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS

Ficha técnica

Título: El hombre de las mil caras

Guión: Alberto Rodríguez, Rafael Cobos

Director: Alberto Rodríguez

Año: 2016

País: España

Duración: 123 min

Reparto: Eduard Fernández, José Coronado, Carlos Santos, Marta Etura, Emilio Gutiérrez Caba, Luís Callejo, Tomás del Estal, Israel Elejalde, Pedro Casablanc, Enric Benavent

Productora: Zeta Cinema, Atresmedia, Atípica Films, Sacromonte Films

Fotografía: Álex Catalán

Música: Julio de la Rosa

Género: Thriller. Policíaco

Con El hombre de las mil caras Alberto Rodríguez se presenta en un registro muy diferente al de su último trabajo, La isla mínima, y más cercano a otros largometrajes realizados anteriormente como Grupo 7. Con esta película se sumerge en el trabajo de dar voz a través de la ficción a una historia real de corrupción en los años 90 en España. Esta es la novedad a la que Alberto Rodríguez se enfrenta como guionista y como director con este largometraje, escogiendo un hecho real, que en ocasiones parece haber superado a la ficción, para convertirlo en un thriller dotado con un buen ritmo narrativo que mantiene al espectador pendiente de la historia desde el principio hasta el fin, aunque con unos personajes demasiado planos y que rozan lo satírico.

El hombre de las mil caras no es el mejor trabajo de Alberto Rodríguez, pero es una película interesante desde el punto de vista de la temática, con un buen guión y un buen trabajo de dirección, con la que el director tiene merecida su presencia en los Goya.

JULIETA

Ficha técnica

Título: Julieta

Guión: Pedro Almodóvar

Director: Pedro Almodóvar

Año: 2016

País: España

Duración: 96 min

Reparto: Adriana Ugarte, Emma Suárez, Daniel Grao, Inma Cuesta, Darío Grandinetti, Rossy de Palma, Michelle Jenner, Pilar Castro, Susi Sánchez, Joaquín Notario, Ramón Agirre, Nathalie Poza, Mariam Bachir, Blanca Parés, Priscilla Delgado, Sara Jiménez, Tomás del Estal, Agustín Almodóvar, 

Productora: El Deseo

Fotografía: Jean-Claude Larrieu

Música: Alberto Iglesias

Género: Drama

Tras los amantes pasajeros, en la que Almodóvar se desbancaba del tono atormentado y el ambiente cotidiano al que nos tenía acostumbrados en sus últimas obras, el director vuelve con una nueva película que explora los sentimientos más humanos de sus personajes. Con Julieta se nos muestra una historia de vida, un drama en el que las protagonistas se enfrentan a la pérdida, al duelo y a la desesperación.

La vida de Julieta y su hija Antía, cambia a raíz de la muerte de Xoan. A partir de este momento, se presentan a través de estos dos personajes las dos perspectivas desde la que cada una afronta esta pérdida. Por un lado, la más absoluta tristeza en la que se sumerge Julieta y que le hace perder el rumbo de su vida. Por otro lado la rabia, el rencor y la culpa de una niña de nueve años que acaba de perder a su padre y que carga con la responsabilidad del cuidado de su madre depresiva. Ambos sentimientos acaban por derrumbar la vida de las protagonistas.

Tras cuatro años, y después de diez desde su último Goya, Almodóvar vuelve como nominado con Julieta. Una firme candidata a ganar alguna de las siete nominaciones con las que cuenta, entre las que destacan la de mejor película, mejor dirección y mejor actriz protagonista por la interpretación de Emma Suárez.

TARDE PARA LA IRA

Ficha técnica

Título: Tarde para la ira
Guión: Raúl Arévalo, David Pulido
Director: Raúl Arévalo
Año: 2016
País: España
Duración: 92 min
Reparto: Antonio de la Torre, Ruth Díaz, Luís Callejo, Manolo Solo, Alicia Rubio, Font García, Raúl Jiménez
Productora: La canica Films, TVE
Fotografía: Arnau Valls Colomer
Música: Lucio Godoy
Género: Drama

La ópera prima de Raúl Arévalo como director supone una pequeña decepción para aquel que es fan del actor. Una trama que durante la primera mitad de la película avanza con falta de ritmo, y que según se encamina hacia el final se vuelve cada vez más previsible. Cuenta con un buen elenco de actores, y una historia a priori poco original o novedosa pero con posibilidades en su desarrollo en la pantalla. Sin embargo, el trabajo tanto de guión como de dirección no han estado a la altura de lo que parecía una promesa dentro del panorama cinematográfico para el nuevo año. Este over promise cuenta con varias nominaciones a los Goya 2017, suerte que también cuenta con mejores rivales en el festival.