A MONSTER CALLS

Ficha técnica

Título: Un monstruo viene a verme/A monster calls

Guión: Patrick Ness

Director: Juan Antonio Bayona

Año: 2016

País: Coproducción España/Estados Unidos

Duración: 108 min

Reparto: Lewis MacDougall, Sigourney Weaver, Felicity Jones, Liam Neeson, Toby Kebbell, Geraldine Chaplin, James Melville, Garry Marriot, Joe Curtis, Kai Arnthal, Max Gabbay

Productora: Apaches Entertaiment, Telecinco Cinema, Participant Media, RiverRoad Entertaiment, Películas La Trini

Fotografía: Óscar Faura

Música: Fernando Velázquez

Género: Drama. Fantástico.

Con A monster calls Juan Antonio Bayona vuelve a estar en la cima del panorama cinematográfico de la mano de su primera adaptación de una obra literaria. En este filme Bayona experimenta no solo en el terreno del guión al tratarse de una adaptación, sino también en el terreno de la imagen. Juega alternando la imagen real y animaciones digitales para distinguir entre la realidad que rodea la vida de Connor y las historias que le cuenta el monstruo. La pregunta es, ¿ha acertado con esta propuesta narrativa? 

Por un lado, la introducción de esos momentos de imagen animada es la herramienta para diferenciar la realidad del protagonista de los elementos fantásticos. Pero, por otro lado, esos momentos en los que entra en juego la animación sacan al espectador de la historia de Connor y establecen entre ambas realidades una brecha demasiado ancha, cuando al fin y al cabo corresponden a dos planos de la misma realidad. Es necesario establecer una diferencia estética en el terreno de la imagen entre ambas dimensiones, pero quizás se podría haber hecho atendiendo al trabajo de fotografía de la imagen grabada. En este ámbito, cabe destacar la dirección de fotografía tanto en la construcción de los planos, muy visuales y descriptivos, como en el trabajo de la luz y el color.

En cuanto al trabajo de adaptación literaria el espectador puede encontrar principalmente dos carencias. En el caso de haber leído el libro, es relevante destacar la omisión de detalles de importancia en la historia, desde diálogos trascendentales hasta personajes, como el caso de Lily, la amiga de Connor, cuya presencia en la trama contribuye a hacer el personaje del protagonista mucho más redondo. Y tanto en el caso de haber leído el libro como si no, narrativamente la trama se queda en la superficie de la historia. 

Evidentemente la comparación entre libro y película es absurda, la última siempre estará en clara desventaja. Pero aún dejando de lado esta comparación el guión no profundiza todo lo que podría en los diferentes temas que se tratan, se centra mucho en las historias que cuenta el monstruo y en la relación de este con Connor. Esta es una parte importante de la historia, de echo es uno de los elementos clave, pero se dejan en un segundo plano otras facetas de la vida de Connor como la relación con su padre o la relación con sus compañeros de clase y los profesores. Estas facetas sí que se desarrollan y tienen un carácter mucho más trascendental en el libro, que vuelvo a nombrar de forma errónea. 

Esta omisión de detalles contribuye a que otro elemento clave en un guión tenga sus puntos flacos, el diseño de personajes. El único personaje con un buen diseño es el de Connor. Aquí también hay que destacar la magnifica interpretación de Lewis MacDougall, sin duda la mejor elección del elenco. El resto de personajes no están del todo bien definidos, incluso al monstruo le faltan matices, aunque hay que destacar la construcción digital del mismo. 

No hay duda de que A monster calls es una gran candidata para los Goya, aunque quizás con más nominaciones de las que debería.

EL REY TUERTO (EL REI BORNI)

Ficha técnica

Título: El rey tuerto(El rei borni)

Guión: Marc Crehuet

Director: Marc Crehuet

Año: 2016

País: España

Duración: 87 min

Reparto: Alain Hernández, Miki Esparbé, Betsy Túrnez, Ruth Llopis, Xesc Cabot

Productora: Moiré Films, Lastor Media, El Terrat, Televisió de Catalunya, ICEC

Fotografía: Xavi Giménez

Género: Dramedia

El rey tuerto (El rei borni) es el primer largometraje de Marc Crehuet, por el que está nominado en los Goya 2017 a mejor director novel. Nos encontramos ante una película con una producción modesta, donde la importancia del filme reside en el guión y el diseño de los personajes que son adaptados de la obra de teatro homónima. En la película se pueden ver elementos procedentes del teatro, como la puesta en escena y la interpretación de los actores. Durante toda la película nos encontramos ante una puesta en escena discreta y con pocos elementos, la mayoría de la historia transcurre en el interior del piso con planos sencillos, muy visuales  y que expresan perfectamente el enfrentamiento entre los personajes.

Esa puesta en escena es lo que hace destacar a los personajes, que sean sus diálogos exclusivamente los que conducen la trama. Precisamente a través de estos diálogos se produce una conversación con el espectador como sociedad. Expone cómo se pueden enfrentar diferentes colectivos a una misma situación, y establece el punto de identificación o rechazo con el espectador. El diálogo que mantienen los personajes entre ellos es una conversación constante con la sociedad, un debate que está en la calle y que produce una retroalimentación entre la realidad y la ficción.

Los personajes son algo planos, basados en tópicos, que es lo que aporta el matiz cómico al drama. Las situaciones cómicas surgen con el enfrentamiento de los personajes, totalmente opuestos buscando constantemente un punto de conexión. Además, la historia transcurre con un ritmo precipitado, con poca introducción, en el que los personajes se encuentran rápidamente ante el primer punto de giro de la historia.

Ese diálogo con el espectador tiene su punto álgido al final de la película, donde se le hace partícipe en la escena, haciendo a la sociedad directamente responsable de los trastornos que sufre el personaje. El final de la película es uno de los puntos más característicos del trabajo del director, que hace que realidad y ficción se unan, que los personajes traspasen la pantalla dialogando directamente con el espectador, al que se le coloca en la posición de voyeur.

Otro de los elementos mejor trabajados se encuentra en el punto opuesto, antes del inicio del filme, en los títulos de crédito. Esta pieza, realizada por Pablo Sánchez, es la secuencia más destacada en esta obra junto con el final, y se encuentran en el ranking de mejores secuencias de títulos de crédito del año de Art of the title. 

Los títulos de crédito de El rey tuerto son una pieza de motion graphics realizada con efectos básicos de movimiento que se insertan a formas geométricas de colores planos. Juega con los elementos que conforman la clave de la trama: una bola de goma que se acerca y aleja en el plano, unos ojos que se abren y cierran al ritmo de la base sonora, y una mesa con cubiertos que presagia la cena catastrófica en torno a la que gira la explosión de la trama. Se trata de un pieza que encuentra su espectacularidad en la sencillez técnica, reduciendo al máximo los elementos claves en la trama y funcionando como un adelanto de lo que se muestra a continuación.

Con los títulos de crédito  y la última secuencia la película tiene un cierre perfecto. Es el ejemplo de cómo con una buena idea, con pocos actores y sin el presupuesto de una superproducción se puede realizar una buena película. Una buena apuesta al Goya a mejor director novel.

EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS

Ficha técnica

Título: El hombre de las mil caras

Guión: Alberto Rodríguez, Rafael Cobos

Director: Alberto Rodríguez

Año: 2016

País: España

Duración: 123 min

Reparto: Eduard Fernández, José Coronado, Carlos Santos, Marta Etura, Emilio Gutiérrez Caba, Luís Callejo, Tomás del Estal, Israel Elejalde, Pedro Casablanc, Enric Benavent

Productora: Zeta Cinema, Atresmedia, Atípica Films, Sacromonte Films

Fotografía: Álex Catalán

Música: Julio de la Rosa

Género: Thriller. Policíaco

Con El hombre de las mil caras Alberto Rodríguez se presenta en un registro muy diferente al de su último trabajo, La isla mínima, y más cercano a otros largometrajes realizados anteriormente como Grupo 7. Con esta película se sumerge en el trabajo de dar voz a través de la ficción a una historia real de corrupción en los años 90 en España. Esta es la novedad a la que Alberto Rodríguez se enfrenta como guionista y como director con este largometraje, escogiendo un hecho real, que en ocasiones parece haber superado a la ficción, para convertirlo en un thriller dotado con un buen ritmo narrativo que mantiene al espectador pendiente de la historia desde el principio hasta el fin, aunque con unos personajes demasiado planos y que rozan lo satírico.

El hombre de las mil caras no es el mejor trabajo de Alberto Rodríguez, pero es una película interesante desde el punto de vista de la temática, con un buen guión y un buen trabajo de dirección, con la que el director tiene merecida su presencia en los Goya.

JULIETA

Ficha técnica

Título: Julieta

Guión: Pedro Almodóvar

Director: Pedro Almodóvar

Año: 2016

País: España

Duración: 96 min

Reparto: Adriana Ugarte, Emma Suárez, Daniel Grao, Inma Cuesta, Darío Grandinetti, Rossy de Palma, Michelle Jenner, Pilar Castro, Susi Sánchez, Joaquín Notario, Ramón Agirre, Nathalie Poza, Mariam Bachir, Blanca Parés, Priscilla Delgado, Sara Jiménez, Tomás del Estal, Agustín Almodóvar, 

Productora: El Deseo

Fotografía: Jean-Claude Larrieu

Música: Alberto Iglesias

Género: Drama

Tras los amantes pasajeros, en la que Almodóvar se desbancaba del tono atormentado y el ambiente cotidiano al que nos tenía acostumbrados en sus últimas obras, el director vuelve con una nueva película que explora los sentimientos más humanos de sus personajes. Con Julieta se nos muestra una historia de vida, un drama en el que las protagonistas se enfrentan a la pérdida, al duelo y a la desesperación.

La vida de Julieta y su hija Antía, cambia a raíz de la muerte de Xoan. A partir de este momento, se presentan a través de estos dos personajes las dos perspectivas desde la que cada una afronta esta pérdida. Por un lado, la más absoluta tristeza en la que se sumerge Julieta y que le hace perder el rumbo de su vida. Por otro lado la rabia, el rencor y la culpa de una niña de nueve años que acaba de perder a su padre y que carga con la responsabilidad del cuidado de su madre depresiva. Ambos sentimientos acaban por derrumbar la vida de las protagonistas.

Tras cuatro años, y después de diez desde su último Goya, Almodóvar vuelve como nominado con Julieta. Una firme candidata a ganar alguna de las siete nominaciones con las que cuenta, entre las que destacan la de mejor película, mejor dirección y mejor actriz protagonista por la interpretación de Emma Suárez.

TARDE PARA LA IRA

Ficha técnica

Título: Tarde para la ira
Guión: Raúl Arévalo, David Pulido
Director: Raúl Arévalo
Año: 2016
País: España
Duración: 92 min
Reparto: Antonio de la Torre, Ruth Díaz, Luís Callejo, Manolo Solo, Alicia Rubio, Font García, Raúl Jiménez
Productora: La canica Films, TVE
Fotografía: Arnau Valls Colomer
Música: Lucio Godoy
Género: Drama

La ópera prima de Raúl Arévalo como director supone una pequeña decepción para aquel que es fan del actor. Una trama que durante la primera mitad de la película avanza con falta de ritmo, y que según se encamina hacia el final se vuelve cada vez más previsible. Cuenta con un buen elenco de actores, y una historia a priori poco original o novedosa pero con posibilidades en su desarrollo en la pantalla. Sin embargo, el trabajo tanto de guión como de dirección no han estado a la altura de lo que parecía una promesa dentro del panorama cinematográfico para el nuevo año. Este over promise cuenta con varias nominaciones a los Goya 2017, suerte que también cuenta con mejores rivales en el festival.