viernes, 26 de febrero de 2021

CORPUS CHRISTI


NOMINACIONES PREMIOS GOYA 2021:

o MEJOR PELÍCULA EUROPEA 

Ficha técnica
Título: Boże Ciało
Guión: Mateusz Pacewicz
Director: Jan Komasa
Año: 2019
País: Corpoducción Polonia-Francia
Duración: 116 min
Reparto: Bartosz Bielenia, Eliza Rycembel, Aleksandra Konieczna, Tomasz Zietek, Leszek Lichota, Lukasz Simlat, Barbara Kurzaj, Zdzislaw Wardejn
Productora: Aurum Film, Canal + Polska
Fotografía: Piotr Sobocinski Jr
Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine
Género: Drama


Jan Komasa nos seduce con una delicia de cine europeo en la que Daniel (Bartosz Bielenia) comienza a profesar una profunda fe cristiana a la vez que hace frente a su vida en un reformatorio para chicos conflictivos. Daniel consigue que le concedan trabajo en una carpintería tras su salida del centro, pero al llegar al pueblo y tras una serie de confusiones, Daniel se hace pasar por el nuevo párroco. 

A pesar de sus férreas creencias y sus buenas intenciones, Daniel encuentra en el fraude el único modo de llevar a cabo su deseo de convertirse en sacerdote tras serle denegado debido a sus antecedentes penales. Pero con su mentira, Daniel consigue llegar a los habitantes de un pequeño pueblo sumido en la desolación y el desconsuelo por una tragedia reciente. El personaje de Daniel encarna una revisión del dogma cristiano, una revisión que muestra la posibilidad de una religión mucho más humana, pragmática y real a través de la historia de un chico cuya fe y valores encuentran discrepancias con la religión tradicional.  

Corpus Christi, en un gran ejercicio de guión y de diseño de personajes, nos deleita con la paradoja de mostrar la honestidad a través de lo que, en principio, puede parecer moralmente reprobable. El gran punto fuerte de la historia es el gran carisma del protagonista. Además, técnicamente es una película con una gran fotografía, en la que destaca el color y los sugerentes primeros planos de Bartosz Bielenia. 

En definitiva, Corpus Christi es cine europeo de ritmo elegante, fotografía realista y deleite de los personajes con una fuerte crítica a la religión y la dificultad de revelarse ante la hipocresía moral establecida que rige la sociedad y el alma humana. 


AKELARRE



NOMINACIONES PREMIOS GOYA 2021:

o MEJOR MÚSICA ORIGINAL (Aránzazu Calleja, Maite Arroitaiaregi)
o MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA (Amaia Aberasturi)
o MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN (Guadalupe Baraquer Trelles)
o MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA (Javier Agirre Erauso)
o MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO (Nerea Torrijos)
o MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA (Mikel Serrano)
o MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA (Beatushka Woitowicz, Ricardo Molina)
o MEJOR SONIDO (Urko Garai, Josefina Rodríguez, Frédéric Hamelin, Leandro de Loredo)
o MEJORES EFECTOS ESPECIALES (Mariano García Marty, Ana Rubio)


Ficha técnica
Título: Akelarre
Guión: Pablo Agüero, Katell Guillou
Director: Pablo Agüero
Año: 2020
País: Coproducción España-Argentina-Francia
Duración: 90 min
Reparto: Amaia Aberasturi, Àlex Brendemühl, Daniel Fanego, Jone Laspiur, Daniel Chamorro, Iñigo de la Iglesia, Yune Nogueiras, Asier Oruesagasti, Elena Uriz, Garazi Urkola, Irati Saez de Urabain, Lorea Ibarra
Productora: Sorgin Films, Tita Productions, Kowalski Films, Lamia Producciones, La Fidèle Production
Fotografía: Javier Agirre Erauso)
Música: Aránzazu Calleja, Maite Arroitaiaregi
Género: Drama


Pablo Agüero se presenta a la 35 edición de los Goya con una caza de brujas llevada a cabo en el siglo XVII en el País Vasco. Un día llegan a un pequeño pueblo del País Vasco los encargados por el Rey para perseguir a aquellos que van contra la religión. Deciden apresar a un grupo de adolescentes del pueblo acusándolas de brujas y estas deciden urdir un plan en su cautiverio para escapar de una muerte segura.

Akelarre nos presenta una historia que indaga en el pasado más oscuro y cruel a la vez que establece un diálogo de lo más actual a través de sus personajes protagonistas sobre el feminismo y el empoderamiento femenino. El guión se encarga de establecer un discurso atemporal, capaz de conectar al espectador actual con unos personajes de siglos pasados y al revés. Además, el fantástico elenco encabezado por Amaia Aberasturi (Amaia) mantiene la tensión y refuerza la narrativa de ese guión atrayéndonos a la historia de principio a fin.

Técnicamente el filme destaca, sobre todo, por el montaje y los efectos especiales. Ambos elementos logran, por una parte, imprimir el ritmo adecuado a la historia y, por otra parte, establecer un juego entre la realidad y lo ilusorio que hace especial la historia de las protagonistas y que confiere originalidad y belleza al filme.

Akelarre es una película sorprendente que escapa de los clichés y los tópicos del cine de esta temática, y cuyo mayor atractivo es el fabuloso retrato que se hace de los personajes femeninos y el magnífico reparto que les da vida en el filme.


ADÚ


NOMINACIONES PREMIOS GOYA 2021:

o MEJOR PELÍCULA                       
o MEJOR DIRECCIÓN (Salvador Calvo)
o MEJOR GUIÓN ORIGINAL (Alejandro Hernández)
o MEJOR MÚSICA ORIGINAL (Roque Baños)
o MEJOR CANCIÓN ORIGINAL (Sababoo, de Cherif Badua y Roque Baños)
o MEJOR ACTOR DE REPARTO (Álvaro Cervantes)
o MEJOR ACTOR REVELACIÓN (Adam Nourou)
o MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN (Ana Parra, Luis Fernández Lago)
o MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA (Sergi Vilanova Claudín)
o MEJOR MONTAJE (Jaime Colis)
o MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA (César Macarrón)
o MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA (Elena Cuevas, Mara Collazo, Sergio López)
o MEJOR SONIDO (Eduardo Esquide, Jamaica Ruiz García, Juan Ferro, Nicolas de Poulpiquet)


Ficha técnica
Título: Adú
Guión: Alejandro Hernández
Director: Salvador Calvo
Año: 2020
País: España
Duración: 119 min
Reparto: Luis Tosar, Anna Castillo, Álvaro Cervantes, Miquel Fernández, Zayiddiya Dissou, Moustapha Oumarou, Adam Nourou, Jesús Carroza, Ana Wagener, Nora Navas, Marta Calvó, Josean Bengoetxea, Jose María Chumo, Candela Cruz, Rubén Miralles, Emilio Buale
Productora: Iriku Films, La Terraza Films, Telecinco Cinema, ICAA, Mediaset España, Mogambo, Netflix
Fotografía: Sergi Vilanova
Música: Roque Baños
Género: Drama


La producción de Mediaset dirigida por Salvador Calvo, es una de las propuestas a la 35 edición de los Goya con más nominaciones. Trece nominaciones entre las que se encuentran “Mejor película”, “Mejor dirección” y “Mejor actor revelación” para Adam Nourou, uno de los grandes descubrimientos junto con Moustapha Oumarou.

Adú presenta el drama de la inmigración y las injusticias en una sociedad explotada y masacrada a través del relato de tres historias aparentemente independientes que van encontrando conexión según avanza el filme. Adú (Moustapha Oumarou) y su hermana se montan en la bodega de un avión con la intención de llegar a Europa. Gonzalo (Luís Tosar) trabaja como activista medioambiental en África y recibe la visita de su hija (Anna Castillo), con problemas de conducta que él se verá obligado a intentar solucionar. Por último, un grupo de inmigrantes intenta saltar la valla de Melilla.

En esta película se escriben las historias que pasan ante nuestros ojos diariamente pero que no nos detenemos a mirar. Nos acerca a un drama que está a pocos kilómetros de la costa española, pero que entendemos como algo lejano y ajeno. Adú supone una bofetada de realidad y nos ayuda a entender y a humanizarnos ante una situación para la que estamos anestesiados por el bombardeo masivo de información y de desinformación. En Adú los problemas que tienen los personajes alcanzan una envergadura mucho mayor y no se solucionan con cruzar el estrecho, independientemente de a qué lado de la orilla quieras llegar.


Los personajes en Adú logran traspasar la pantalla y son uno de los puntos fuertes de la película, cuyo montaje y realización se construyen en base a la sencillez y naturalidad narrativa.  En cuanto al elenco de actrices y actores hay grandes descubrimientos y rostros ya conocidos en la ficción española. No es el mejor papel de Luis Tosar y Anna Castillo, pero siempre es un placer verlos en acción. Sin embargo, los grandes descubrimientos son Adam Nourou, con una merecida nominación a “Mejor actor revelación” y Moustapha Oumarou, cuyo personaje lleva el peso de la película y cuya edad es el único inconveniente para no haber optado a la nominación de su compañero.

En definitiva, una película dura con un final igualmente duro, como no podía ser de otra forma. Tres historias bien narradas y bien conectadas en la trama. Buenas interpretaciones, y la principal función cumplida: invitar a la reflexión y mirar de cara el problema.

domingo, 7 de febrero de 2021

MALCOM & MARIE

 Ficha técnica

Título: Malcom & Marie
Guión: Sam Levinson
Director: Sam Levinson
Año: 2021
País: Estados Unidos
Duración: 106 min
Reparto: Zendaya, John David Washington
Productora: Little Lamb, The Reasonable Brunch, Netflix
Fotografía: Marcell Rév 
Género: Drama




Una pandemia no ha sido suficiente para que Sam Levinson dejase pasar su momento de éxito tras la gran acogida de su último trabajo, Euphoria. Durante los duros meses del pasado 2020, y con Zendaya y John David Washington como aliados, Sam Levinson escribió y dirigió con máxima discreción su último largometraje, Malcom & Marie.

Malcom y Marie llegan a casa tras la fiesta en la que se estrena la película dirigida por Malcom. Lo que debería ser una noche de celebración se torna en una interminable discusión que dura toda la noche en la que los reproches, las inseguridades y la ingratitud ponen de manifiesto las grietas de una relación de pareja que hace aguas.

Malcom & Marie es una historia minimalista, repetida en innumerables ocasiones en la historia del cine, con una impecable ejecución por parte de Sam Levinson y sus protagonistas.

La película, aunque con un trasfondo que apoya la trama sobre la frivolidad escondida tras el aparente glamour de Hollywood y los problemas de drogodependencia de la protagonista al más puro estilo Euphoria, no es más que el retrato de una pareja con serios problemas de comunicación y cierta sobredosis de ego. El grueso de la trama son los personajes de Malcom y Marie y sus interminables diálogos que, paradójicamente, no hacen más que evidenciar su falta de comunicación y entendimiento. Diálogos, que en ocasiones toman más bien la forma de monólogos, magistralmente escritos e interpretados de manera soberbia. Malcom & Marie funciona como el perfecto escaparate tanto para el director como para los protagonistas. La película es un regalo para los actores.

La tensión sexual y la frustración emocional marcan el ritmo de la historia. Con una realización muy cuidada y emotiva, y una fotografía muy ilustrativa en completa consonancia con la narrativa y la interpretación de los personajes. Ningún plano ni ningún movimiento de cámara está hecho al azar. Son destacables los plano secuencia en los que se dilata el tiempo y los personajes se persiguen por la escenografía en movimientos circulares como el gato y el ratón. Todo ello en un fabuloso blanco y negro a través del cual la historia adquiere un extra de glamour, un refuerzo de emotividad tanto en los momentos de pasión como en los de desasosiego de los protagonistas.

En definitiva, la espera y la intriga con la que llegaba el último trabajo de Levinson ha sido recompensada con una gran película que no decepciona en ninguno de sus aspectos.

miércoles, 2 de diciembre de 2020

HILLBILLY ELEGY

 Ficha técnica

Título: Hillbilly Elegy
Guión: Vanessa Taylor
Director: Ron Howard
Año: 2020
País: Estados Unidos
Duración: 116 min
Reparto: Amy Adams, Gabriel Basso, Glenn Close, Haley Bennett, Owen Asztalos, Freida Pinto, Bo Hopkins, William Mark McCullough, Jesse C. Boyd, Deja Dee, Tierney Smith, Lucy Capri, Sunny Mabrey, Stephen Kunken, Ryan Homchick, Ed Amatrudo, Holly A. Morris, Jason Davis, Keong Sim, Ethan Levy
Productora: Imagine Entertainment, Netflix
Fotografía: Maryse Alberti
Música: David Fleming, Hans Zimmer
Género: Drama



 “Nuestro origen nos define, pero todos los días elegimos en quién nos convertiremos”


“Hillbilly es un término peyorativo para referirse a los habitantes
 de las zonas rurales de Estados Unidos”.


Hilbilly elegy es una película dirigida por Ron Howard para Netflix basada en la novela autobiográfica homónima de J. D. Vance.

J. D. estudia derecho en Yale, vive con su novia y está haciendo entrevistas para conseguir un trabajo con los mejores abogados del país. Un día, recibe una llamada que le hace volver a su pueblo natal al sur de Ohio, lo que le hace revivir su infancia dentro de una familia disfuncional y toda la carrera de obstáculos que tuvo que superar en busca de una vida mejor.

Hillbilly elegy relata lo que supone “el sueño americano” para aquellos que, aun formando parte de la sociedad americana, son discriminados por su procedencia social. El protagonista tiene que lidiar durante toda su vida con las trabas que la propia sociedad le pone para conseguir unas condiciones de vida mejores que las que tuvieron sus padres y sus abuelos, pero también con sus propios problemas personales dentro de una familia que supone más una carga que un apoyo. 

En definitiva, Hillbilly elegy es el relato de una vida con sus luces y sus sombras, sin más. En ocasiones puede resultar un relato algo plano debido a su exceso de drama y a la ausencia de puntos de giro potentes. Sin embargo, la gran interpretación que nos regala Glenn Close rompe en varias ocasiones con esta monotonía y es la conductora de los mejores diálogos y escenas del filme, junto con Amy Adams.

Puede que a este largo le falten algunos puntos de luz que hubiesen dado un respiro tanto a los personajes como al espectador. Escenas que retratasen la visión inocente e ignorante de la infancia de J. D. en el contexto en que esta se desarrolla. Quizás sea este el punto que le falta a Hillbilly elegy para ser una gran película. Esto habría aportado mucha más carga emotiva a la trama además de luz, complejidad emocional y énfasis en los momentos clave de la vida de los protagonistas, a la vez que ampliaría el marco vital de los personajes. 

Otro de los elementos que perjudica a la trama es que peca de una gran dosis de demagogia acerca de la clave del éxito y la superación de las adversidades. La demagogia de la que hace uso en algunas escenas junto con el dramatismo de toda la película no es la mejor combinación de elementos para alcanzar el éxito.

Sin embargo, Hillbilly elegy nos regala buenas interpretaciones y un viaje a través de los primeros años de la vida de J. D. muy bien construido  y con escenas muy narrativas acerca del contraste que existe entre la imagen que se vende de la vida entre rascacielos y calles abarrotadas en Norteamérica, y las dificultades de las zonas más rurales y alejadas de los grandes núcleos urbanos.

Hillbilly elegy no es una película mejor ni peor que otros dramas cotidianos que relatan la lucha de los personajes por conseguir un puesto mejor en la sociedad. Desde luego no es merecedora de elogios, pero quizás tampoco lo sea del desprecio al que se ha visto sometida desde su estreno.

domingo, 15 de noviembre de 2020

MIGNONNES

Ficha técnica

Título: Mignonnes
Guión: Maïmouna Doucouré
Director: Maïmouna Doucouré
Año: 2020
País: Francia
Duración: 96 min
Reparto: Fathia Youssouf Abdillahi, Medina El Aidi, Maïmouna Gueye, Esther Gohourou, Ilanah Cami-Goursolas, Myriam Hamma, Mbissine Thérèse Diop, Demba Diaw, Bilel Chegrani
Productora: Bien ou bien Productions
Fotografía: Yann Maritaud 
Música: Nicolas Nocchi
Género: Drama


La inocencia malinterpretada

La película Mignonnes de la cineasta Maïmouna Doucouré es una de las candidatas a representar a Francia en la próxima edición de los premios Óscars. La película hace un retrato del paso de la niñez a la adolescencia a través de un grupo de niñas de once años con una vida complicada y cuya motivación es ser las ganadoras de un concurso local de baile, para lo que ensayan sin parar en las inmediaciones de su barrio. A través del baile y de las relaciones que se establecen entre ellas, las protagonistas exploran los cambios en sus cuerpos y descubren las emociones que les provoca el mundo que les rodea desde su nueva perspectiva preadolescente.

Un grupo de niñas de once años jugando a ser mayores, y enfatizando este juego a través del vestuario y algunos diálogos y actuaciones de las actrices. La polémica estaba servida, y el filme ha tenido que lidiar en su estreno y en su reciente candidatura a los Óscars con las acusaciones de hipersexualización de gran parte del público.

Pero es una pena que la crítica general se haya quedado en la superficie de esta caracterización de las protagonistas. Tras esta polémica representación se esconde una historia maravillosa, una emotiva narración desde una perspectiva muy original sobre la etapa de transición entre la niñez y la adolescencia. La directora ofrece un retrato lleno de verdad y, aunque pueda parecer paradójico, de inocencia sobre esa etapa convulsa y llena de confusión por la que pasamos todas. Un relato enfatizado por el contexto tanto social como familiar en el que viven las protagonistas.

Es complicado realizar un análisis de una película como esta sin  hacer alusión a la polémica generada por la supuesta hipersexualización de las protagonistas. Desde un punto de vista estrictamente cinematográfico, es probable que algunos planos sobren y que ciertos detalles del trabajo de caracterización se podrían  haber tratado con algo más de sutileza. Sin embargo, también es cierto que el conjunto de todos estos elementos contribuyen a la propia crítica que la directora hace a través de su película. En definitiva, Mignonnes es un retrato real, nos guste o no, de cómo las niñas viven ese cambio tanto físico como emocional al horizonte de su niñez, cada una con su propia situación personal. Y también es una crítica a cómo este paso se realiza de manera errónea debido a la existencia de referentes nocivos que proliferan con el desarrollo de las redes sociales y el uso precoz de las nuevas tecnologías.

Por último, Mignonnes nos presenta un guión muy bien construido donde se alternan escenas en las que las niñas descubren y se enfrentan a la entrada a la adolescencia con escenas en las que se muestran los atisbos de niñez que aún conservan, como por ejemplo la escena del preservativo o la subtrama de la boda del padre de Amy (Fathia Youssouf Abdillahi). La película produce un juego constante entre el descubrimiento sexual y la inocencia, la precocidad y la pureza. 

Es una lástima quedarse en la superficie del relato. Si le damos una oportunidad, descubriremos un relato hermoso, emotivo y complejo con muy buenas interpretaciones.


martes, 10 de noviembre de 2020

BOY ERASED

 Ficha técnica

Título: Boy erased
Guión: Joel Edgerton
Director: Joel Edgerton
Año: 2018
País: Coproducción Estados Unidos-Australia
Duración: 115 min
Reparto: Lucas Hedges, Nicole Kidman, Russell Crowe, Joel Edgerton, Xavier Dolan, Troye Sivan, Ron Clinton Smith, Emily Hinkler, Jesse LaTourette, Madelyn Cline, Victor McCay, David Joseph Craig, Matt Burke, David Ditmore, William Ngo, Tim Ware, Flea, Randy Havens, Joe Alwyn, Matthew Eldridge, Frank Hoyt Taylor, Cherry Jones, Théodore Pellerin, Jason Davis, Cindy Hogan, Michael King, Lynne Ashe, Drew Scheid, Malerie Grady, Paige Henry, Joy Jacobson, Will Kindrachuk, Kevin Linehan, Frank Roberts, Jesse Malinowski, Brook Todd
Productora: Focus Features, Anonymous Content, Blue-Tongue Films, Perfect World Pictures, New George Film
Fotografía: Eduard Grau
Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans
Género: Drama




 “Si Dios supiera…”


Basada en la novela autobiográfica de Garrard Conley, Boy erased cuenta la historia de Jared Lucas Hedges, un adolescente hijo del pastor de un iglesia que es enviado a un campamento religioso de reconversión tras confesar su homosexualidad. 

Boy erased es la versión ficcionalizada de una realidad que, a pesar de encontrarnos en el siglo XXI, está a la orden del día. La historia de Jared se contextualiza en un entorno profundamente religioso y autoritario desde el que nacen la homofobia y la condena sufridas por el protagonista. Esta contextualización funciona a nivel narrativo para aportar una mayor carga dramática a la historia y para la representación de unos personajes arquetípicos y estereotipados que  funcionan muy bien en este tipo de ficciones. En un contexto religioso, se hace más evidente la falta de ética y moralidad de las conductas homófobas y esto crea un mayor contraste narrativo. Sin embargo, en la realidad la homofobia y el tratamiento errático de la homosexualidad son un problema extensible a toda la sociedad. Afortunadamente cada vez la homofobia está más erradicada de la sociedad y cine como el que nos presenta Joel Edgerton contribuyen a la visibilización y a la solución del problema.

Con un ritmo pausado, unas maravillosas interpretaciones y algunas escenas sobrecogedoras, además de con una gran sencillez técnica y visual, Boy erased se convierte en un altavoz de la lucha LGTBI y del odio al que algunas personas tienen que enfrentarse día a día.