BOY ERASED

 Ficha técnica

Título: Boy erased
Guión: Joel Edgerton
Director: Joel Edgerton
Año: 2018
País: Coproducción Estados Unidos-Australia
Duración: 115 min
Reparto: Lucas Hedges, Nicole Kidman, Russell Crowe, Joel Edgerton, Xavier Dolan, Troye Sivan, Ron Clinton Smith, Emily Hinkler, Jesse LaTourette, Madelyn Cline, Victor McCay, David Joseph Craig, Matt Burke, David Ditmore, William Ngo, Tim Ware, Flea, Randy Havens, Joe Alwyn, Matthew Eldridge, Frank Hoyt Taylor, Cherry Jones, Théodore Pellerin, Jason Davis, Cindy Hogan, Michael King, Lynne Ashe, Drew Scheid, Malerie Grady, Paige Henry, Joy Jacobson, Will Kindrachuk, Kevin Linehan, Frank Roberts, Jesse Malinowski, Brook Todd
Productora: Focus Features, Anonymous Content, Blue-Tongue Films, Perfect World Pictures, New George Film
Fotografía: Eduard Grau
Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans
Género: Drama

 “Si Dios supiera…”

Basada en la novela autobiográfica de Garrard Conley, Boy erased cuenta la historia de Jared Lucas Hedges, un adolescente hijo del pastor de un iglesia que es enviado a un campamento religioso de reconversión tras confesar su homosexualidad. 

Boy erased es la versión ficcionalizada de una realidad que, a pesar de encontrarnos en el siglo XXI, está a la orden del día. La historia de Jared se contextualiza en un entorno profundamente religioso y autoritario desde el que nacen la homofobia y la condena sufridas por el protagonista. Esta contextualización funciona a nivel narrativo para aportar una mayor carga dramática a la historia y para la representación de unos personajes arquetípicos y estereotipados que  funcionan muy bien en este tipo de ficciones. En un contexto religioso, se hace más evidente la falta de ética y moralidad de las conductas homófobas y esto crea un mayor contraste narrativo. Sin embargo, en la realidad la homofobia y el tratamiento errático de la homosexualidad son un problema extensible a toda la sociedad. Afortunadamente cada vez la homofobia está más erradicada de la sociedad y cine como el que nos presenta Joel Edgerton contribuyen a la visibilización y a la solución del problema.

Con un ritmo pausado, unas maravillosas interpretaciones y algunas escenas sobrecogedoras, además de con una gran sencillez técnica y visual, Boy erased se convierte en un altavoz de la lucha LGTBI y del odio al que algunas personas tienen que enfrentarse día a día. 

FRONTLINE: IRAQ´S SECRET SEX TRADE

Ficha técnica

Título: Frontline: Iraq´s secret sex trade

Guión: Nawal al-Maghafi

Director: Patrick Wells

Año: 2019

País: Estados Unidos

Duración: 80 min

Productora: PBS

Fotografía: Patrick Wells

Género: documental

“Hombres de dios ofreciendo guía religiosa sobre cómo abusar de niños.”

Frontline: Iraq´s secret sex trade es un documental sobre el negocio encubierto de prostitución y explotación de mujeres y niñas en Irak bajo el amparo de un importante porcentaje de la cúpula religiosa del país.

Nawal al-Maghafi y su equipo consiguen testimonios reales tanto de las víctimas de esta explotación como de los jefes religiosos que promueven esta práctica. Testimonios que ponen los pelos de punta y que remueven haciendo imposible que tras el visionado quedemos al margen de esta realidad presente en la otra punta del mundo. 

La discreción necesaria para poder grabar en las calles del país, y la necesidad de conseguir testimonios que no se harían delante de una cámara conscientemente hacen que este documental no se sustente en la estética visual para contar la historia. Todo lo que tenemos son planos de la ciudad, imágenes de cámara oculta y testimonios de las víctimas recreados por actrices sobre un fondo negro. Sin embargo, este hecho no resulta una carencia ya que la historia y los testimonios se sostienen por sí mismos sin necesidad de una escenografía o una preparación más exhaustiva del resto de los elementos. En la sencillez técnica de la documentación residen la franqueza y veracidad de está investigación.

“…un clérigo es alguien a quien respetamos. Luego descubres que esta persona con turbante es un engaño…”

El documental nos muestra cómo en un entorno de guerras y en una sociedad radicalmente machista los sectores más vulnerables de la población son presa fácil para aquellos que no tienen escrúpulos a la hora de explotar a otros en su propio beneficio. Entre la población musulmana el jefe religioso es una persona de confianza, el eje en torno al cual se sustenta la vida de los fieles. Justo aquí reside el alarde de crueldad e hipocresía que desvelan los testimonios del documental. Los jefes religiosos, escudándose en este supuesto de honestidad, explotan a mujeres de las clases sociales más bajas con engaños y disfrazando estas prácticas de una supuesta oportunidad para ellas que, tras haber perdido a sus maridos en la guerra la mayoría, no tienen ninguna forma de ganarse la vida y salir adelante.

Para que el hombre pueda ejercer su superioridad y no se le pueda exigir ninguna responsabilidad por sus actos, la élite religiosa inventa los mut´ah o matrimonios de placer. Los mut´ah están supuestamente prohibidos tanto por la ley estatal como por la ley religiosa. Pero, en la práctica, muchas mujeres y niñas son víctimas de este delito. Un hombre compra a una esposa por un tiempo determinado, este pago le permite poner los límites de esta relación donde estime conveniente y, tras ser explotada sexualmente, la víctima es abandonada a su suerte hasta ser puesta a disposición de otro captor por parte del jefe religioso que actúa como proxeneta.

En una sociedad musulmana radical marcada por los conflictos étnicos y bélicos no es difícil adivinar que estas mujeres quedan desamparadas tanto legal como socialmente. Es macabro que una persona vea en esta situación de vulnerabilidad una oportunidad de negocio a costa de la explotación de personas. Las mujeres cuya situación ya las convertía en víctimas potenciales de esta red de explotación, tras acceder a ella se encuentran atrapadas y sin ninguna oportunidad en una sociedad donde en lugar de castigar al delincuente son ellas las repudiadas.  

Frontline: Iraq´s secret sex trade deja al espectador frente a la cámara desprovisto de cualquier guía o guionización de la historia que se narra. Los potentes testimonios muestran por si mismos una realidad atroz que nos obliga a reflexionar sobre la faceta más inhumana del ser humano frente al desgarrador relato de unas mujeres que han perdido cualquier oportunidad a manos de una sociedad hipócrita y amoral. Frontline: Iraq´s secret sex trade no es la búsqueda de una historia, sino el descubrimiento de una verdad.

RELIC

Ficha técnica

Título: Relic
Guión: Natalie Erika James, Christian White
Director: Natalie Erika James
Año: 2020
País: Coproducción Estados Unidos-Australia
Duración: 89 min
Reparto: Emily Mortimer, Bella Heathcote, Robyn Nevin, Steve Rodgers, Chris Bunton, Jeremy Standford, Catherine Glavicic, Christina O´Neill, John Browning Northover
Productora: AGBO, Carver Films, Film Victoria, Nine Stories Productions, Screen Australia
Fotografía: Charlie Sarroff
Música: Brian Reitzell
Género: Terror

Una alegoría del ciclo de la vida

Edna (Robyn Nevin), una anciana que vive sola, no da señales de vida a su familia durante días. Su hija y su nieta acuden a la casa para averiguar qué ha pasado, y a las pocas horas Edna aparece sin dar explicaciones de dónde ha estado ese tiempo. A partir de ahí, las tres conviven en la casa haciendo frente al extraño comportamiento de Edna, derivado de la demencia que sufre, y a diversos fenómenos inexplicables que ocurren en la casa.

Una historia relativamente sencilla y algo trivial en apariencia. Sin embargo, la historia que desarrolla Natalie Erika James va mucho más allá de las casas encantadas o un caso de posesión. Según avanza el filme, Relic sorprende con una profunda reflexión sobre la vejez, la muerte y el ciclo de la vida. La directora coge lo más representativo del cine de terror y lo pone al servicio de un guión complejo que cuenta una historia mucho más visceral, mucho más cercana a la realidad que cualquier película del género de los últimos años que acuda a nuestra memoria, una historia que logra conectar con las entrañas del 99% de los espectadores sin explotar el drama y recurriendo al terror como sentimiento presente en las situaciones cotidianas causadas por la demencia. 

Es inusual que con este tipo de subtexto se recurra al género de terror y no al drama. Sin embargo, aquí el drama de la demencia y la forma en que las familias se enfrentan a esta enfermedad da lugar a un filme de terror psicológico perfectamente hilado, en el que se plasma tanto en los diálogos como en el desarrollo de las escenas (la casa oculta tras el armario, el juego de las paredes que se estrechan y la escena final en la que la hija se queda sola con la madre, como metáforas) la extenuación que supone esta enfermedad y el verdadero terror al que se enfrentan las familias.

Relic es el relato de un miedo mucho más identificable para el espectador que los monstruos o los fantasmas. Nos encontramos ante una historia tan bien construida tanto desde el punto de vista del guión como de la realización y el montaje, ambos clave para  marcar el ritmo necesario de la narración,  que no necesita recurrir a efectos especiales ni abusar de los clichés del género. 

A través de un manejo excepcional del ritmo narrativo Relic nos muestra una escenificación del ciclo de la vida de la mano de Edna, Kay (Emily Mortimer) y Sam (Bella Heathcote) que representan a las tres generaciones de la familia. La historia comienza por descubrirnos una familia con algunas grietas en sus relaciones que da lugar a la soledad de las tres mujeres. Edna lucha sola con la irrevocable pérdida de sus recuerdos, y Kay ve en su madre su propia soledad inminente debido a la inexistente relación con su hija, Sam. Sin embargo, el encuentro de ambas en la casa de Edna hace que su unión vuelva a fortalecerse para hacer frente a los últimos días de la vida de Edna y acompañarla en su final. 

Y la guinda de este guión se encuentra en la última escena, una escena en la que Edna abandona su soledad en los últimos instantes de su vida acompañada por su hija y su nieta, para las que ese momento supone una redención. Esta última escena es impactantemente simbólica y significativa, sin diálogos ni apenas acción, pero con una propuesta visual y una composición de planos que son la metáfora perfecta de lo que relata la película, un diálogo con la muerte, la escenificación de un problema al que se acaban de enfrentar Kay y Sam, y al que se volverá a enfrentar Sam en un futuro no muy lejano con su madre. En un solo plano, una alegoría del ciclo de la vida.

UNDER THE SKIN

Ficha técnica

Título: Under the skin

Guión: Jonathan Glazer, Walter Campbell

Director: Jonathan Glazer

Año: 2013

País: Reino Unido

Duración: 108 min

Reparto: Scarlett Johansson, Paul Branningan, Robert J. Goodwin, Krystof Hádek, Scott Dymond, Michael Moreland, Jessica Mance, Jeremy McWilliams, Adam Pearson

Productora: Film4 Productions, Nick Wechsler Productions

Fotografía: Dan Landin

Música: Mica Levi

Género: Ciencia ficción

Un septenio de overpromise

Under the skin constituye una producción cinematográfica conceptual y minimalista que fue considerada en 2013 (año de su producción) película de culto y mejor producción británica de la última década. El filme comienza con un personaje femenino encarnado por Scarlett Johansson que se infiltra en una ciudad escocesa seduciendo hombres en su paso por la ciudad.

Habría dos líneas a comentar en este filme, que normalmente van de la mano pero aquí están separadas, quizás debido a la incapacidad para trasladar el trabajo de conceptualización al resultado. Por una parte, tanto sonora como visualmente Under the skin es una joya. Algunas escenas, sobre todo los planos de inicio del filme y las escenas de sexo, son un deleite para los sentidos y constituyen obras más cercanas al videoarte que al cine convencional. Estas escenas son interesantes desde un punto de vista estético, aunque resultan bastante redundantes ya que se repiten durante toda la película con escasas variaciones y aportaciones a la trama. 

Pero, por otra parte, nos encontramos ante un trabajo técnico y estético que enmascara una trama central un poco vaga. Con un poco de esfuerzo por nuestra parte como espectadores podemos deducir desde una historia de reflexión acerca de las relaciones o el papel de la mujer en la sociedad hasta la historia de una asesina en serie. Pero lo cierto es que todo el transfondo y la conceptualización llevada a cabo para este guión quizás no quede del todo reflejado en la forma. Conceptualmente puede ser un guión rico y lleno de matices, pero argumentativamente son dos horas de película  en las que no pasa absolutamente nada. 

Tras siete años de espera, la decepción llega a la pantalla de los cines españoles.

SKIN

Ficha técnica

Título: Skin

Guión: Guy Nattiv

Director: Guy Nattiv

Año: 2019

País: Estados Unidos

Duración: 110 min

Reparto: Jamie Bell, Vera Farmiga, Danielle Macdonald, Mike Colter, Bill Camp, Ari Barkan, Louisa Krause, Justin L. Wilson, Sean Cullen, Samantha Jones, Daniel Henshall, Zoe Margaret Colletti, Kylie Rogers, Colbi Gannett, Mary Stuart Masterson, Russell Posner, Jenna Leigh Green, Jaime Ray Newman

Productora: Maven Pictures, Brookstreet Pictures, Item 7, Vision Enterteinment Group, PaperChase Films, Sight Unseen Pictures, A24

Fotografía: Arnaud Potier

Música: Dan Romer

Género: Drama

Skin cuenta la historia de Bryon (Jamie Bell), integrante de un colectivo criminal de extrema derecha conocido por las autoridades que decide cambiar de vida al enamorarse de Julie (Danielle Macdonald), quien dejó atrás el mundo de la violencia y la ideología neonazi hace años.

Esta película es un retrato de los suburbios del alma humana, donde conviven los más oscuros sentimientos asentados en las circunstancias sociales y personales de un individuo, con los resquicios de innata humanidad que suponen la esperanza de un mundo mejor. 

Acostumbrados a ver narraciones audiovisuales sobre la opresión sufrida por la raza negra en Estados Unidos por grupos de extrema derecha, en los que el objetivo está puesto en la raza negra como víctima de dicha opresión, Skin ofrece un retrato de estos grupos supremacistas blancos en el que, a través del protagonista, se muestra a estos grupos como organizaciones totalmente blindadas en las que supone un grave problema desviarse de la ideología. Esto supone en la película la “victimización” del personaje de Bryon, Según avanza el filme, Bryon se muestra como una persona obligada por las circunstancias a seguir al grupo que lo ayudó cuando se quedó sin familia, pero con quienes no está claro que comparta ideología al 100%. Quizás sea este uno de los puntos más flojos de la película, justificar en cierta medida los hechos recurriendo a los tópicos de vida desestructurada, dejando en un segundo plano otros aspectos de carácter histórico o social.  

De forma paralela a la narración de Bryon aparece en la trama la organización One People´s Project, organización que existe en Estados Unidos desde el año 2000 y que se dedica a publicar información sobre individuos criminales fieles a la ideología neonazi. Con el personaje de Daryle (Mike Colter) queda cerrada la historia introduciendo en la trama el concepto de la “utopía del cambio”. 

A nivel narrativo y estructural uno de los detalles más llamativos es la narración de la evolución personal de Bryon introduciendo planos detalle del borrado de sus tatuajes. El filme se estructura a partir de las diferentes fases de borrado y pone énfasis en los puntos de giro del guión. Esta es una buena decisión de dirección y montaje que hace posible visualizar el arco del personaje y su trayectoria vital en el guión.

En cualquier caso, con elementos a favor y en contra, y con un retrato polémico de una situación muy delicada que a día de hoy se sigue viviendo en muchos países, Skin es una película para reflexionar y reconsiderar nuestra visión del mundo desde un punto de vista diferente.

KAUWBOY

Ficha técnica

Título: Kauwboy

Guión: Boudewijn Koole, Jolein Laarman

Director: Boudewijn Koole

Año: 2012

País: Holanda

Duración: 81 min

Reparto: Rick Lens, Loek Peters, Susan Radder, Cahit Ölmez, Ricky Koole

Productora: Waterland Film & Tv, NTR

Fotografía: Daniël Bouquet

Música: Helge Slikker

Género: Drama

Jojo (Rick Lens) vive con su padre, ausente la mayor parte del tiempo por culpa de su trabajo. Jojo aprende a arreglárselas en su soledad sin aceptar la muerte de su madre. 

Esta película holandesa de 2012 es una muestra de ese cine europeo que no está presente en las salas de cine y que habitualmente solo llega a las pequeñas pantallas de los cinéfilos. Kauwboy es una película que narra con una gran sencillez un tema tan difícil como el enfrentamiento con la muerte de un ser querido. Con algunas escenas tan poéticas como crudas dentro de esa sencillez, la película es un recorrido por el proceso de duelo principalmente de Jojo, pero también de su padre. Comenzamos viendo simplemente un hogar con dos padres ausentes en el que un chico de unos diez años intenta aceptar su soledad como un adulto. Su padre se va a trabajar temprano y vuelve tarde, y Jojo solo puede calmar su soledad con las llamadas que hace a su madre, donde le miente sobre la situación para no preocuparla, sin ni siquiera plantearse que ella nunca volverá a descolgar el teléfono. Un día Jojo encuentra una cría de grajo que ha caído del nido, y con ella encuentra a alguien a quien querer y cuidar en ese vacío, y alguien con quien pasar a la siguiente fase del duelo. 

Encontramos en Kauwboy una historia que huye del ritmo frenético y toma el tiempo necesario en cada una de las escenas para que el personaje muestre en todo su esplendor su dolor, su rabia y su inocencia. Esta película es un mecanismo de piezas que conforman una buena historia contada desde la más absoluta sinceridad y simplicidad técnica, una de esas historias que con su brevedad y su verdad llegan al corazón.

PULLMAN

Ficha técnica

Título: Pullman

Guión: Toni Bestard, Arturo Ruiz

Director: Toni Bestard

Año: 2019

País: España

Duración: 70 min

Reparto: Keba Diedhou, Alba Bonnin, Monika Kowalska, Armando Buika, Carolina Parejo, Lara Martorell, Manuel Teba, Rafel Ramis

Productora: Singular Audiovisual, Toni Bestard P.C

Fotografía: Edu Biurrun

Música: Tolo Prats

Género: Drama

Pullman es una película de 2019 dirigida por Toni Bestard que narra un día en la vida de dos niños pertenecientes a familias humildes residentes en los apartamentos Pullman en Mallorca. Cuando sus padres se van a trabajar y los dejan solos, los niños inician un viaje por toda la ciudad.

Nada más empezar, lo primero que se produce es una analogía ineludible con The Florida Project, película estadounidense dirigida por Sean Baker y estrenada en 2017. Ambas películas muestran la cara menos idílica de una ciudad, la que habitualmente no se muestra en publicidad ni se vende al turismo, y cómo las familias que viven en este otro lado luchan por sobrevivir. 

Habiendo hecho un breve apunte sobre esta similitud entre ambas producciones, dejaré de lado las comparaciones. En Pullman vemos que en Mallorca no todo es sol, playa y fiestas. Hay una vida más allá de los hoteles, y Pullman nos muestra una historia humana, de supervivencia, y de la entrada inocente a un mundo adulto que empieza con el descubrimiento de las primeras decepciones del futuro. Pero, a pesar de la dureza con que se retrata la vida de aquellos que siguen en la isla tras la estampida de los turistas, la película tiene un aire de frescura e ingenuidad aportado por los personajes de Nadia (Alba Bonnin) y Daren (Keba Diedhou) y un viaje en el que, desde una mirada pura, descubren los estragos y el desequilibrio del mundo en el que viven.